Arte, hoy. Cataclismos, epifanías y Arte conceptual.

Hacía tiempo que quería hablar de una cuestión que aún enfrenta incluso a los propios artistas y, más que estar asentada, se ha convertido en el eterno tema de debate en las artes plásticas: ¿Habría ocurrido semejante cosa un par de siglos atrás?, me refiero al debate sobre qué es y qué no es Arte en el mundillo plástico... La respuesta obviamente es NO. Indistintamente del siglo y de las escuelas habidas, las normas por las que se juzgaba cualquier obra de arte como buena eran siempre las mismas. ¿Qué ha ocurrido ahora? o ¿qué lleva ocurriendo desde que nos metimos en la espiral de las vanguardias hasta llegar a vender a los coleccionistas de arte un vaso con agua (Wilfredo Prieto) por 20.000€?

Que ha habido movimientos pictóricos desde la aparición de la fotografía -si algo significó un antes y un después en el mundo de la Pintura fue gracias a este fenómeno (a 1.839, S. XIX)- es mucho más contundente y consecuente en el Arte, que el simple hecho de hablar de un Arte (el antiguo) que había sido literario, para reaccionar con "-ismos", pintura abstracta (l'art pour l'art) y otras manifestaciones, frente a la imagen que cuenta o ilustra y de la que se acabaría huyendo en pro de una supuesta evolución artística.

En primer lugar, habría que atajar dos cuestiones: Qué es arte y por qué nos lo estamos formulando. Vamos a profundizar en ello:

El Arte se define como una forma de conocimiento intuitivo que expresa por necesidad emociones, ideas y formas de pensar del "virtuoso" en el momento histórico que le toca vivir. Bien, es la definición que he resumido de una publicación de Filosofía del Arte y con la que estoy al cien por cien de acuerdo, y ahora hago yo otra más general, otra comprensión de la concepción del Arte y que deja la puerta abierta a todo lo que está sucediendo en el panorama del arte contemporáneo; que el Arte es una necesidad de manifestación y materialización de las emociones u otras inquietudes del individuo, con lo que directamente, vendría a colocar a cualquiera en la condición de artista. Si os fijáis en la primera definición se habla de emociones, de momento histórico y de alguien VIRTUOSO. Con lo cual ya hay una serie de requisitos que no se cumplen en muchas de las manifestaciones artísticas de hoy, empezando por el propio artista, que no siempre es un virtuoso, es decir, alguien con unas habilidades desarrolladas y estudiadas. Entonces, desde la segunda definición puedo decir que todo el mundo es artista y si es un niño más, pues existe tal pureza que no condiciona el resultado de lo que hace. Y ahora vamos al punto crucial, ¿qué diferencia al artista del virtuoso?: La maestría. La academia no necesita adjetivar con buen arte o mal arte cuando se carece de la maestría, directamente EL ARTISTA ES EL VIRTUOSO (yo me posiciono así también) y simplemente hace Arte, lo demás son manifestaciones sin más, sin medida, sin armonía muchas veces, sin sentido, sin discurso, sin valor. No es el resultado de un trabajo intelectual (esto último se está viendo en los últimos movimientos en Arte, que no son menos válidos pero que sí que es cierto que por carecer de ciertas referencias nos pueden vender a algunos "gato por liebre" o sacarnos con cara de nada de un museo o sala de exposiciones, y si es que están dentro, el "Land-art" o "Eart-art" fueron movimientos reaccionarios frente a lo que podría comprarse-venderse dentro del sistema de mercado del Arte, ¿podrías llevarte a casa una montaña empaquetada de Christo?).

¡Ah! pero es que entonces... ¿no todo vale?: ¡Claro que no!, una cosa es una manifestación artística -que puede ser el borrón con una cera de color de un niño sobre un papel cuadriculado- y otra una obra de Arte, y en nuestra sociedad cuando hablamos de Arte nos referimos a un sólo tipo de Arte, el Arte validado por un talento, factura o ejecución, dominio en esa realización y maestría; una forma sofisticada de expresión que debe alcanzar su más alto rango, cómo está tratando el artista de decir lo que quiere decir y con qué dominio de lo que hace y las herramientas que usa para ello -y cuando hablamos de dominio, lo hacemos de dominio del Dibujo, de la composición, del manejo del color y la técnica en el caso de la Pintura y otros parámetros en según qué disciplina-. Esto consigue, por su inevitable ARMONÍA que conmueva y trascienda en el receptor, más aún si es reflejo de su momento histórico, al contrario de lo que argumenta la crítica de arte mexicana Avelina Lésper -la experiencia estética no es igual en un siglo que en otro-. Lésper también atribuye al Arte la capacidad de transformar la realidad (cierto) y desde ese punto de vista crucifica el ready-made, toda una contradicción. Los famosos poemas-objeto de Joan Brossa son un ejemplo perfecto aquí en España sin tener que irse al urinario descontextualizado y firmado de Duchamp. ¿Estoy justificando de alguna manera las vanguardias tipo object-trouvé, ready-made, videoinstalación y performances? Sí, ahora, como en toda manifestación artística hay casos salvables y verdaderos camelos. EL PROBLEMA ES QUE NO ES DE CONOCIMIENTO GENERAL cuáles son los parámetros por los que se rige un buen trabajo de dichas manifestaciones, y de las que siempre se deberá tener en cuenta un discurso previo, osea un concepto, palabra, historia, ESTO ES EL ARTE CONCEPTUAL. Se basa por definición en que la instalación u objeto intervenido que se ve, tiene que ser acorde y coherente con el discurso, la intención, y los materiales el medio que lo justifica. También hay una maestría en la obra conceptual que muy pocos logran. Si hablamos de instalaciones los parámetros a calibrar irían desde la calidad de los objetos, hasta el tratamiento de la luz, el uso del espacio adecuado, coherencia entre los elementos y que no haya más que lo justo y necesario para transmitir esa idea. Esto lo puedo decir yo que me tocó enfrentarlo como estudiante, como la gran mayoría de los movimientos plásticos y por eso también, conocer hasta qué punto sólo es decoración o DISEÑO (que es cuando el Arte deja de serlo para adquirir una FUNCIÓN). Se dan casos en los que la descontextualización de los objetos es prácticamente nula (el vaso de agua de Wilfredo Prieto, o la carretilla con planta también del mismo) cosa que automáticamente desargumenta esa "obra", vamos que te puedes beber el vaso tan ricamente que no va a pasar nada. Sólo añadiré a esto una cosa: El buen artista conceptual, hará evidente -y podrá prescindir de textos explicativos- lo que quiere contarte o transmitirte y a su vez te provocará una reacción casi siempre de conmoción interna en algún sentido. Vamos a la famosa "Merde d'artiste" de Manzoni, qué le llevo a enlatar sus propias heces (90 latas), sigue siendo concepto, nadie sabe si dentro hay tal cosa porque abiertas pierden su valor conceptual, éstas fueron vendidas por su peso en oro. Lo que hace Manzoni es una crítica jocosa al endiosamiento de la figura del artista, la sintetización de que cualquier cosa que se filtre por el individuo artista ya es Arte, ya puede venderse e idolatrarse. Él se burla de eso de una manera de lo más escatológica. Y sí, es arte conceptual pero uno bastante simple, llano, romo en su discurso, aparte de infinitamente pobre en sus materiales y al que no va añadido ninguna dificultad más que la de hacer una buena digestión (siempre odié la forma de hacer Arte facilona por medio de la mera provocación).

Existe un arte conceptual que trabaja el espacio que te inunda por completo y he podido conocer el trabajo de algunas artistas como Soledad Sevilla, que son magistrales en su expresión.

En cuanto a los performances o happenings, normalmente suelen ser malos, indistintamente de la intención y el discurso, ya que, a no ser que se sea un coreógrafo, bailarín o actor, los recursos son pobres, torpes o con errores. Igual con las videoinstalaciones si no se tiene un mínimo de conocimiento técnico. Los defiendo como manifestaciones artísticas que sólo las considero verdadero Arte cuando tras ellas hay un profesional que sabe qué está haciendo (hay un trabajo intelectual y un desarrollo de técnica) y no deja nada al azar. Otro dato importante es que eso que ves demuestra que ha tomado tiempo.

Para terminar, en la actualidad por no haber un conocimiento general de esas vanguardias, se le atribuye al Arte contemporáneo -que siempre es así, no es el nombre de un estilo-, un valor ficticio y especulativo y en la mayoría de los casos toma la figura de objeto de lujo excéntrico para gente sin cultura. No he querido ahondar en "-ismos" concretos, lo haré en otros artículos, pero ya de paso diré, como colofón, que no he visto un movimiento más absurdo, teniendo en cuenta lo que supuso la fotografía, que el hiperrealismo. El buen artista estudia cuál es el mejor medio o la forma de presentar una idea, y teniendo en cuenta que ese "arte por el arte" que trajo los movimientos pictóricos de comienzos del siglo XX se dio como respuesta al hiperrealismo de la propia fotografía, ¿me quieren decir que hacen los hiperrealistas sudando el pincel?.

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